5 Gamechanger, die mein Gitarrenspiel nach vielen Jahren noch mal verändert haben
Ich spiele schon sehr lange Gitarre, und trotzdem haben mich fünf bestimmte Dinge in späteren Jahren noch mal deutlich vorangebracht. Ich dachte immer, ich müsste schneller spielen, mehr Skalen auswendig können, mehr außergewöhnliche Akkorde kennen. Tatsächlich kamen meine größten Sprünge aber selten durch mehr Üben, sondern durch neue Situationen, die mich gezwungen haben, anders zu denken. Wenn du das Gefühl hast, seit Jahren auf einem Level festzustecken, fehlen dir vielleicht genau solche Impulse.
1. Ich hab angefangen, mich selbst aufzunehmen
Lange Zeit hab ich mich selbst nie aufgenommen – das klang für mich nach Studio, Profis, Technik, etwas, das ich nie lernen würde. Erst als ich anfing, YouTube-Videos zu machen, musste ich es zwangsläufig können. Und genau da ging für mich eine neue Tür auf: Wer sich ständig selbst aufnimmt, bekommt zum ersten Mal einen realistischen Eindruck davon, wie er wirklich spielt und klingt. Ich hab dabei entdeckt, dass ich viel weniger auf dem rhythmischen Grundraster war, als ich dachte – und dass es meist nicht daran liegt, etwas anderes zu spielen, sondern rhythmisch exakter zu spielen. Ich hab dabei auch gelernt, wie sich Gitarre im Mix mit Drums, Bass und Keyboards verhält, und bin so vom Scheuklappengitarristen zum Musiker mit Überblick geworden.
2. Meine Sound-Philosophie: weg vom Amp, hin zu Pedalen
Ich hatte jahrelang genau zwei Sounds: einen cleanen und einen stark verzerrten, keine feinen Abstufungen dazwischen. Als ich mich musikalisch mehr in Richtung leicht angezerrter Sounds bewegte, merkte ich: Mein gesamter Ton hing komplett vom Verstärker ab. Statt Geld für einen neuen Amp auszugeben, das ich damals nicht hatte, stieg ich auf günstige Overdrive-Pedale um. Plötzlich war ich viel unabhängiger, konnte experimentieren, ohne mich finanziell zu überfordern, und die Pedale luden viel mehr zum Herumspielen ein als ein Gerät mit verschachtelten Menüs.
3. Weniger Akkordtöne, mehr Musik
Über viele Jahre hab ich zu viele Akkordtöne gespielt – wahrscheinlich, um zu beweisen, dass ich weiß, was in einem komplexen Akkord steckt. Erst durch Lehrvideos, in denen die besten Vertreter ihres Fachs funkige Begleitung mit nur zwei, drei Tönen spielen, wurde mir klar: Flüssiges, rhythmisch treffsicheres Spiel entsteht eher durch radikal reduzierte Akkorde. Ein Dreiklang hat drei Töne, ein Vierklang vier – warum also ständig fünf oder sechs Saiten greifen? Seit ich Akkorde konsequent minimalistisch spiele, klingen meine Begleitungen luftiger, grooviger und moderner, und ich kann komplexere Akkorde plötzlich überall auf dem Griffbrett spielen, statt sie mit Gewalt an einer Stelle zusammenzuquetschen.
4. Raus aus der Pentatonik-Falle
Wie viele Gitarrist:innen war ich jahrzehntelang in der Pentatonik gefangen – sie funktionierte überall, und genau das war das Problem. Der Wendepunkt kam mit Jazz-Standards, bei denen Akkorde oft nicht zu einem einzigen tonalen Zentrum passen und harmonische Wechsel viel häufiger auftreten. Ich musste anfangen, die Töne der Akkorde wirklich auf dem Griffbrett zu sehen, statt kopflos mein Standard-Solo-Vokabular abzufeuern. Ein guter Einstieg dafür ist eine Akkordfolge mit einer klaren Modulation mittendrin – schon eine winzige Verschiebung der Töne bringt dein ganzes Spiel auf eine andere Ebene der Wachheit und Kontrolle.
5. Ich denke in Stufen statt in Griffbildern
Der vielleicht größte Umbruch: Ich hab aufgehört, mich an feste Griffbilder und Tabs zu klammern, und angefangen, in Stufen zu denken – also in Tonleiterstufen wie 1-4-5 statt in konkreten Akkordnamen einer bestimmten Tonart. Plötzlich hatte ich einen echten Überblick, wie ein Song wirklich gestrickt ist, und Tonarten wurden nebensächlich. Sagt jemand in der Probe spontan "Lass es uns eine Tonart höher spielen", ist das kein Problem mehr, wenn ich mir die Stufenfolge gemerkt habe statt konkreter Akkordnamen. Das hat mir geholfen, Stücke schneller auswendig zu lernen und Parallelen zwischen ähnlichen Songs zu erkennen.
Bonus-Gamechanger: eine winzige Plektrum-Änderung
Zum Schluss noch die banalste Erkenntnis von allen, die aber sofort etwas verändert hat: Ich spiele nicht mehr mit der Spitze des Plektrums, sondern mit der Seite – der dicken Fläche. Vorbilder wie Michael Landau, Robben Ford oder Scott Henderson machen das alle, und der Effekt ist real: ein wärmerer Ton, weniger Klickgeräusch, mehr Kontrolle. Superschnelles Spiel wird dadurch etwas schwerer, aber das war für mich ohnehin nie der Fokus. Manchmal sind es eben nicht die großen Dinge, die man jahrelang üben muss, sondern kleine, kaum beachtete Anpassungen mit großer Wirkung.
Checkliste: Welcher Gamechanger fehlt dir gerade?
Hast du dich schon mal selbst aufgenommen und dir das Ergebnis wirklich ehrlich angehört?
Spielst du bei Akkorden automatisch alle verfügbaren Töne, obwohl weniger oft besser klingen würde?
Bist du bei Soli fest in der Pentatonik verankert, ohne es zu merken?
Kennst du die Stufenfolge deiner Lieblingssongs, oder nur die Akkordnamen in der Originaltonart?
Mit welcher Kante deines Plektrums spielst du eigentlich – hast du das je bewusst ausprobiert?
Raus aus der Pentatonik, rein in neue Klangfarben
Genau der vierte Punkt – der Schritt über die Pentatonik hinaus – ist der Kern von Modes-Methode: Statt trockener Fingersätze zeigt der Kurs die sieben Klangfarben der Durtonleiter als eigenständige, praxisnahe Werkzeuge für Solospiel und Songwriting.
Mehr Infos findest du hier: Modes-Methode
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